Canción para tres niñas
Esta obra parte de una fotografía japonesa del período Edo tardío, pero la imagen original funciona únicamente como materia prima perceptiva. El interés no reside en reproducir una escena histórica, sino en someterla a un proceso de deconstrucción física que exponga el mecanismo mediante el cual la mirada construye la realidad.
El procedimiento técnico —dibujar las zonas de color, recortarlas, pintarlas y pegarlas— transforma el acto pictórico en un ejercicio de ensamblaje perceptivo. Cada fragmento recortado opera como una unidad autónoma que, al recomponerse, genera una imagen nueva. Esta metodología, que evoca los cut-outs de Matisse, no busca la imitación estilística, sino aplicar el mismo principio operativo: la realidad visual se construye mediante la selección, el recorte y la reorganización de elementos previamente aislados. La imagen final no existe en la fotografía original ni en los fragmentos sueltos; emerge únicamente cuando el espectador completa el acto de recomposición.
La decisión de tratar el acrílico como si fuera acuarela, introduciendo degradados que rompen con el color plano dominante en la serie, marca un punto de inflexión perceptivo. Esta ruptura técnica no responde a una búsqueda estética, sino a la necesidad de verificar si las teorías de la serie resisten la complejidad tonal. El resultado confirma que la mirada creadora no depende de un lenguaje visual fijo; se actualiza en cada decisión que obliga al ojo a reconstruir activamente lo que ve.
Desde la perspectiva de la Mirada Creadora, esta pieza demuestra que el proceso de creación y el de percepción operan bajo la misma lógica: seleccionar, fragmentar, recomponer. La obra no representa una escena del Japón feudal; expone el mecanismo mediante el cual cualquier imagen —antigua o contemporánea— se transforma en realidad cuando una mirada la estructura.
Tamaño:
Papel: 70 x 50 cm
Mancha: 50 x 30 cm
Técnica:
Acrílico sobre papel recortado y pegado sobre soporte.
Canción para tres niñas
Esta obra parte de una fotografía japonesa del período Edo tardío, pero la imagen original funciona únicamente como materia prima perceptiva. El interés no reside en reproducir una escena histórica, sino en someterla a un proceso de deconstrucción física que exponga el mecanismo mediante el cual la mirada construye la realidad.
El procedimiento técnico —dibujar las zonas de color, recortarlas, pintarlas y pegarlas— transforma el acto pictórico en un ejercicio de ensamblaje perceptivo. Cada fragmento recortado opera como una unidad autónoma que, al recomponerse, genera una imagen nueva. Esta metodología, que evoca los cut-outs de Matisse, no busca la imitación estilística, sino aplicar el mismo principio operativo: la realidad visual se construye mediante la selección, el recorte y la reorganización de elementos previamente aislados. La imagen final no existe en la fotografía original ni en los fragmentos sueltos; emerge únicamente cuando el espectador completa el acto de recomposición.
La decisión de tratar el acrílico como si fuera acuarela, introduciendo degradados que rompen con el color plano dominante en la serie, marca un punto de inflexión perceptivo. Esta ruptura técnica no responde a una búsqueda estética, sino a la necesidad de verificar si las teorías de la serie resisten la complejidad tonal. El resultado confirma que la mirada creadora no depende de un lenguaje visual fijo; se actualiza en cada decisión que obliga al ojo a reconstruir activamente lo que ve.
Desde la perspectiva de la Mirada Creadora, esta pieza demuestra que el proceso de creación y el de percepción operan bajo la misma lógica: seleccionar, fragmentar, recomponer. La obra no representa una escena del Japón feudal; expone el mecanismo mediante el cual cualquier imagen —antigua o contemporánea— se transforma en realidad cuando una mirada la estructura.
Tamaño:
Papel: 70 x 50 cm
Mancha: 50 x 30 cm
Técnica:
Acrílico sobre papel recortado y pegado sobre soporte.